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EL JARDÍN DE HÉRCULES

Eduardo Blázquez

David Couso, ilusionista de telones lunares

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David Couso, cineasta, creador de imágenes misteriosas, investigador y teórico; elabora los contenidos literarios para la historia artística del cine que, desde la ut pictura poesis, reconstruye un conocimiento visual desde el debate de meta-ficción, juegos de realidades y de ficciones que establece vestido de mago para enlazar retratos diversificados desde la audaz y veraz emoción, a la antropología del imaginario visual.

1- ¿Cómo defines tus creaciones?

 

Sinceras, directas, humanas, personales… Como director novel parto de desarrollar siempre proyectos cinematográficos que combinen una serie de elementos totalmente diversos, cuya combinación funcione, con la intención de que cuando luego un espectador lo vea pueda disfrutar de cada uno de ellos. Me gusta jugar mucho, gran parte de escribir y dirigir se basa en eso, en aprender a jugar.  De este modo, busco la manera de que lo que creo sea una mezcla de mis inquietudes personales, el impacto que busco provocar en el espectador, y una herencia artística y cinematográfica muy viva a la que siempre hago por hacer homenaje; con un plano determinado, la fotografía o los personajes que llego a crear.

 

 

Entre el 2013 y el 2014 he escrito, producido y rodado tres cortometrajes de diferentes formatos, y es muy interesante la búsqueda de cómo llevar a cabo la forma de construir cada uno. Cuando uno hace una ficción como Inerte o Túyo, tienes más libertad de pensar en el juego y el trabajo con las formas y las piezas, me atrevería a decir que los mejores directores de cine son creadores de puzzles de piezas perfectas.

Sin embargo, con Someone, mi ópera prima en documental junto con Miguel Lorenzo, hay otro tipo de trabajo, ya que tanto la temática de la inmigración, como esa realidad que buscamos narrar del otro mundo de Madrid, es muy alentadora para retratarla con fidelidad y cercanía. No obstante, siempre hay una serie de elementos, de esa parte que llamo “mi inquietud”, que subraya una forma de narrar y una tipología muy enmarcada en el ámbito social.

 

2- ¿Qué películas han desatacado este año? Puedes explicar sus singularidades.

 

Primero quiero subrayar un concepto que está de moda en los medios y carece de realidad, el 2014 no ha sido el año del cine español. Bajo mi experiencia como cinéfilo, periodista y director, quiero considerar que cuando se diga que tal año ha sido el año del cine español, sea porque ha sido el año que más cine se ha producido -con lo que esto conlleva-, que este cine ha tenido un promedio de consumo fuera de las cifras desalentadoras de los últimos años, y que nuestro cine ha sido un éxito en todo el mundo. Utopía o no, no es pecar de ambición, sino definir un titular como tendría que ser.

 

La cruda realidad es que el Fondo de Ayuda a la Cinematografía ha disminuido más de un 50% en cinco años, de 89,3 millones de euros (2010) a 36,5 millones de euros  (2015), a lo que hay que sumarle ó mejor dicho quitarle, un 21% de IVA cultural. Si contemplamos estas cifras junto al gran consumo de piratería en España, es probable que acaben “tres” directores haciendo cine de aquí a cinco años, con diez espectadores consumiendo cine español en salas a la semana, lo que provocará dos cosas: Que no se pueda hacer cine en España, y que el consumo en salas acabé siendo nulo. Y para el colmo, ambas consecuencias se retroalimentan.

 

 

Pese a esto, diría que el cine español ha crecido y madurado en el aspecto artístico enormemente, como aquel adolescente que después de los años ves y dices: ¡Vaya cambio ha pegado! Y es cierto, se han producido superproducciones como El niño que han sido un éxito con un presupuesto ínfimo (6 millones) para lo que es hacer una superproducción en Hollywood (80 millones). El reírnos de nosotros mismos ha sido un éxito mayúsculo con Ocho apellidos vascos, pese a la mezcla de muchos factores que han propiciado eso. La isla mínima, subraya el enorme talento de Alberto Rodríguez, y destapa al mundo y a los directores españoles, una España espectacular y atractiva, que nos enseña que todo es cuestión de aprender a mirar. La glorificada Magical Girl, que para la crítica parece ser la película del año, por encima de los titulares, es una película arriesgada a todos los niveles, y que lleva a Carlos Vermut a ser considerado un director con ingenio, genuino y magnético; y nuevamente deja a José Sacristán en lo más alto del cine español.

 

Por otro lado, tenemos películas de gran acierto en el panorama internacional, como Ida de Pawel Pawlikowski que rescata un blanco y negro en formato cuadrado encajando una historia humilde y sincera. Lars von Trier nos dejaba sin aliento hace un año con su doble volumen de Nymphomaniac, donde por encima del sexo triunfa el talento de dirigir y contar historias del polémico director danés. Guardianes de la Galaxia, fuera del colectivo fanático, deslumbraba por su autocrítica, su humor y su célebre combinación. Una espectacular The Congress, que a través de Robin Wright, nos lleva a una hipótesis futurista de gran peso crítico. Y la célebre Boyhood, - película rodada a lo largo de doce años por R. Linklater- emplea con gran naturalidad el argumento más explotado en el cine, la vida.

 

Sobre todo lo que tenemos que pensar es que este año se ha conseguido algo muy importante para el cine español, y es que ante el panorama de la industria, la gente ha dejado de soltar la coletilla de: Normal, con el cine que se hace en España, todo son tetas y sexo. Y la verdad, que eso sí me parece un éxito rotundo.

 

3.- ¿Qué papel tiene la escenografía en el cine?

 

Evitando tecnicismos, se puede definir como la magia que envuelve al espectador y le atrapa en una realidad ficticia. Sin aquellas inspiraciones hooperianas, Hitchcock no habría hecho la majestuosa casa de Psicosis, y la película sería otra cosa muy diferente a lo que es; ó Eduardo Manostijeras y el contraste del castillo y la ciudad, los colores, la vida y el cinismo que representa.

 

La escenografía es contar al espectador dónde estamos, por qué el protagonista tiene miedo, y cómo vamos a jugar en la película para desarrollar la historia. El hotel de El Resplandor de Kubrick genera de por sí un impacto al espectador que le sobrecoge hasta el final de la película, con sus espacios escondidos entre largos pasillos y alfombras de colores excesivamente cálidos, que bajo la fotografía de John Alcott, la han convertido en un prodigio del cine de terror.

 

 

Para un director con poco presupuesto, esto es todo un mundo de paciencia y empeño. Soy muy obsesivo con hacer un plano u otro de tal manera, y sobretodo qué es lo que se ve en el cuadro y cómo. Inerte (2014), mi ópera prima en cortometraje de ficción, fue un batalla constante por la escenografía, hasta tal punto que suspendí el rodaje dos veces conllevando siete meses de retraso porque no dábamos con lo que quería. El factor de que la casa principal de Inerte fuera antigua, angosta y no tuviera ventanas, era clave para retratar al personaje que la ocupa, y que el espectador se sienta como la protagonista y la acompañe hasta el final; y eso lo acabamos encontrando.

 

4.- Explica la dialéctica entre realidad y ficción en el cine. 

 

Bueno, contar esto sin extenderme es complicado. En el fondo, se refiere en concreto a la propia realidad que demanda la ficción para que el espectador se la crea y el arte de cómo construir esa realidad. Yo digo siempre que toda película hay que plantearla como un tablero de juego, y por lo tanto hacen faltan unas reglas para jugar; mientras que no las saltes, todo funcionará. Avatar (2009), el último éxito de James Cameron es una ficción absoluta, sin embargo, el conjunto de reglas que creó se articulan y hacen que el espectador viva esa realidad, y se crea que ese mundo existe y que todo lo que pasa es posible, porque entra dentro del juego. Pero esto sucede en todos los géneros, cada uno contrae una serie de límites y el jugar con ellas y no infringirlas es parte del éxito de una película.

 

 

5.-Describe una escena pintada de Hércules en el jardín de las Hespérides

 

Es un cuadro muy ejemplar de lo mencionado antes, la escenografía. La gran fuerza que representa el espacio, el jardín de las Hespérides en el que está Hércules combatiendo contra un dragón. La belleza representada por el camino, la profundidad, el más allá, la vida. Todo esto en un segundo plano que recoge el fuego de los sujetos. Las figuras de Hércules con ese haz luminoso que provoca que los ojos se vayan al centro, donde reside el peso visual y nos encamina hacia la larga y enrollada cola del dragón. La lucha del hombre contra la bestia, que en este caso se traduce en un cuerpo a cuerpo que plantea quién es la verdadera bestia. Y por último, lo más interesante, la existencia planteada desde Adán y Eva en su inmersión en el paraíso, el peligro de la bestia que acecha al hombre, la muerte presente como una bestia que te ahoga.

 

Comentarios

David Couso 25/01/2015 20:11 #3
Un gran placer tener esta entrevista con el GENIO Eduardo Blázquez, al que admiro profundamente. Gracias por vuestras palabras, totalmente de acuerdo FIOREN, hay una visión común a todos los artistas que es el cuadro, esa ventana de tren a través de la cuál llevar al ser humano a viajar a través de esas composiciones artísticas, creadas tanto en jardines como en lienzos, desde un trazo hasta una mirada a cámara. Una inmensa e inabarcable herencia. Un abrazo chicos
Stpc 25/01/2015 13:46 #2
David , sin duda un grande,me encanta tu forma de ver el séptimo arte
FIOREN 25/01/2015 11:52 #1
Me parece fundamental esa acepción de la escenografía, que resulta indispensable para la contextualización de la ficción. Una obsesión que parece acompañar a los creadores de los montajes desde tiempos remotos, como el pintor Agatarco de Samos, a quien Vitruvio atribuye precisamente la creación de la skenografía o pintura de escenario, junto a los míticos periactos, porque contribuían de manera efectiva a la mayor empatía del actor con el espectador en la transmisión de la narración. Así que, al final, no hay tanta distancia temporal entre unos y otros artistas cuando lo que une es esa visión de la escenoplástica. En la Historia del Arte se demuestra el adagio de "tan lejos, tan cerca".

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